Nuevo número de Rockzone

Desde este espacio vamos a recomendar a la gente que este mes no deje de comprar la revista Rockzone, por que viene llena de material interesante. Si os gustan bandas como: Slipknot, The Offspring, The gaslight Anthem o The Dillinger Scape Plan no vais a querer perdérosla!

Nuevo Videoclip de Gallows

La verdad es que la llegada de Wade MacNeil, como vocalista, a la banda Gallows, es de aquel tipo de cosas que te crean dudas. Pero esas dudas se disipan cuando los ves en directo y ves que el Ex-guitarrista de Alexisonfire suena muy bruto y muy poderoso cantando sobre un escenario. Para que os hagáis una idea de lo que hablo aquí tenéis el nuevo videoclip de la banda Inglesa. Esperamos que os guste.

La última canción de Thrice

Desde Facebook, una lectora nos pasa el video de la que es la última canción de Thrice en directo. Se trata de Anthology, tema de su último album Major/Minor. Después de esta canción la banda, que ya lo había anunciado con anterioridad, deja la música. Desde Twoheebsandabean, queremos expresar lo profundamente apenados que estamos ante esto; y es que Thrice es una de nuestras banda predilectas.

En fin... Disfrutad del tema (personalmente hubiese preferido un Red Sky para dar carpetazo a su etapa como banda) y no perdáis la esperanza, si Refused ha vuelto, ¿por qué no Dustin y los suyos?

Muse en las Olimpiadas

Muse ya habían revelado con anterioridad que su nuevo álbum se pondría a la venta en septiembre y se llamaría "The 2nd Law". Lo que hasta ayer no habían dicho es que serán ellos mismos los encargados de interpretar el tema oficial de las Olimpiadas de este año. El single elegido se llama "Survival" y fue presentado ayer en las redes sociales.

Os dejamos aquí mismo el épico tema para que lo escuchéis y opinéis!

                                     

Madball y Devil In Me, Sala Estraperlo

El pasado 24 de junio asistí a uno de los conciertos de la gira de presentación del Resurrection Fest 2012, en la sala Estraperlo de Badalona de la mano de Devil In Me y Madball. Después de una interminable caravana en la Nacional, pude llegar a tiempo para ver a Devil In Me.

Pero antes de hablar del concierto tengo que declarar mi amor a la Sala Estraperlo. Me parece la mejor sala a la que he tenido el placer de asistir para escuchar música en directo. Es un lugar donde siempre te encuentras buen rollo y un ambiente que te permite la conexión inmediata entre grupo y público. El único defecto que tiene la sala es en el aspecto técnico, como en todos los conciertos a los que he asistido. Hay momentos, por ejemplo, en los que el altavoz derecho no suena.

Entrando en materia, voy a hablar de Devil In Me, un excelente grupo de Hardcore de Portugal. Algunos los pudimos conocer mediante un videoclip en el que colaboraban grupos de Hardcore tan destacados como Sick Of It All, Madball o Comeback Kid, entre otros. Cuando llegué para ver Devil In Me, mi referencia era el mencionado videoclip y me encontré con un grupo brutal. Su directo era muy activo con un sonido al más puro Hardcore. Como siempre pasa, desgraciadamente, en este país, la gente estaba a las expectativas y a 3 metros del escenario. Eso sí, los miembros de Devil In Me no escatimaron esfuerzos para que el público se acercara. Pasando por alto este último hecho, todo el concierto fue excelente. Devil In Me no paraban de saltar y de intentar conectar con el público. Y, finalmente, ¡lo consiguieron!

Por mi parte, yo casi no conocía a Devil In Me y después de la actuación lo que os puedo asegurar es que los seguiré y si vuelven a venir no dudaré en ir a verlos.

Después de una pausa para cambiar los instrumentos empezó Madball, un gran grupo de Hardcore de Nueva York. Y, como siempre, Madball no defraudó a nadie. A diferencia de Devil In Me, Madball era un perfecto conocido para un servidor y ya los había podido ver en directo en la Sala Razzmatazz el año pasado. Pero como siempre, el concierto en la sala Estraperlo fue mucho mejor. Aquí el público ya no recelaba de las primeras filas y consiguieron una conexión inmediata con el público. Lo que me pareció una broma de mal gusto fue que en la pantalla de la sala estaban poniendo el Italia Inglaterra de la Eurocopa, lo que desviaba la atención.

Como era de esperar los momentos mas destacados de la actuación fueron sus grandes temas como “Set It Off” o “For My Family”. Y después de un amago volvieron al escenario para acabar el concierto en colaboración con el cantante de Devil In Me, que acabó el concierto con el tema por excelencia de Madball, “100%”.

Al finalizar el concierto cuando aún tratas de asimilar la gran noche que acabas de vivir, sales i te encuentras a Mitts, guitarrista de Madball, sentado en la rueda del remolque tomando una cerveza y atendiendo al público que quería hablar con él o hacerse fotos.

En definitiva fue un concierto espectacular y un dúo que, si se repite, es muy recomendable para la gente que le gusta el Hardcore.

Por Sergi "Milla" Millaruelo

Nuevo Disco de Green Day: ¡Uno!

La super banda de Oakland, Gree Day, ya tiene grabado su nuevo trabajo. Será un triple CD, que el mismo Billie Joe ha denominado "Power-pop Album". La fecha de salida, para el primero de los tres discos, titulado "¡Uno!", está fijada para el 25 de septiembre de este mismo año.

En el mismo comunicado también se anunciaba la fecha de lanzamiento de su primer single, titulado "Oh Love", y todo el tracklist. 

"¡UNO!"

Nuclear Family

Stay The Night

Carpe Diem

Let Yourself Go

Kill The DJ

Fell For You

Loss Of Control

Troublemaker

Angel Blue

Sweet 16

Rusty James

Oh Love

Los fans de la banda ya pueden estar contentos, porque este año no tendrán ni uno, ni dos, si no tres discos de Green Day.

   

The Smashing Pumpkins, Oceania

Si me hubieran dicho hace un par de años que The Smashing Pumpkins estaban muertos, me lo hubiese creído sin importarme demasiado, pero después de escuchar Oceania... No solo están vivitos y coleando sino que están dispuestos a seguir así hasta que Billy “Zampabollos” Corgan se quede mudo o explote (esto último es más plausible viendo como se está poniendo el zagal).

El noveno disco de la banda estadounidense empieza de manera jodidamente espectacular. Quasar te explota en la cabeza, el inicio me recuerda ligeramente a Can't Stop de Red Hot Chili Peppers pero los de Billy “Tonelete” Corgan le meten zapatilla en menos que canta un rayo y tu te clavas en tu butaca. Adoro la batería y los riff de guitarra al más puro estilo Prog-Rock. Luego viene Panopticon, para “calmar” un poco el ambiente. Siento debilidad por los compases ¾ y este tema hace que se me ablande el corazón. Desde luego este grupo sabe como ganarme desde su glorioso Siamese Dream. Sigue el CD con The Celestials, baja un poquito más la intensidad y nos clava esta canción para las masas. Ligerita, con un estribillo reconocible y un interludio electrónico. No obstante, para que no nos olvidemos que estamos ante una banda referente en cuanto a música alternativa y marginal, el tema acaba con 20 segundos de molesta distorsión de guitarra (¡Ay Billy, Billy! ¿No te pudiste contener, eh?).

Violet Rays y My Love is Winter vienen a continuación. Aquí se percibe cierta relajación por parte del grupo, como que van con el piloto automático, tirando de fórmula para cascarse dos temas más. Afortunadamente el nuevo batería, Mike Byrne, y el guitarra, Jeff Schroeder, son suficientemente buenos como para tapar la vagancia.

Después de esto llega el que es, de largo, el tema más bizarro del disco, One Diamond, One Heart. Para mi gusto, esa base electrónica constante me parece de lo más chusca y Billy “Arruina Buffets” Corgan parece que esté cantando como si se autoparodiase. Por suerte llegamos al ecuador del CD con Pinwheels. Y de nuevo me quito el sombrero, Billy se deja de chuminadas y se pone a componer como dios manda. Vale que este tema no es Today, ni 1979, pero me gusta tanto como sus míticos temas. Una canción 100% Smashing Pumpkin pero pasada por el filtro de la experiencia que da llevar casi un cuarto de siglo haciendo música.

Con Oceania llega la hora de ponerlo todo. El tema que da nombre al disco, es una especie de conglomerado de canciones, una megacanción de 9 minutos que si bien instrumentalmente es genial, me dejó un tanto frío, por no mencionar que acaba con un fade out. Y aquí nuestro amigo Ian Sánchez me dijo una vez que si un tema acaba con un fade out es un tema de mierda. Ahora bien, esta canción en concierto será de esas que la gente acaba como loca y con toda la banda regalándose en cada parte.

Sigue la cosa con Pale Horse, un pufo que sirve para a) dormir a las cabras; o b) hacer que la siguiente canción, The Chimera, parezca más buena. Lo cierto es que tanto The Chimera como Glissandra son dos temas correctos, que dan lo que se les pide, retomar la intensidad con la que ha empezado el álbum y yo sigo obnubilado con el batería, gran estrella del disco.

Llega la recta final con Inkless, un tema a la vieja usanza, muy al estilo del Siamese Dream con un simpatiquísimo solo de guitarra a mitad de canción. Y acabamos con Wildflower, una canción más propia de un grupo de Post-Rock y que peca un poco de aburrida, tal vez otro tema para finiquitar el álbum hubiese ido mejor.

En conclusión, Oceania es un buen disco que empieza de manera brutal para dormirse a la mitad e intentar despertar en su último tercio. La voz de Billy “Bola de billar” Corgan es reconocible hasta para un sordo y eso le da un plus de autenticidad al CD, para que no acabe siendo el trabajo random de un grupo cualquiera. Aunque The Smashing Pumpkins no solo es Billy, la banda de Chicago cuenta con unos músicos tremendamente buenos capaces de aguantar la canción cuando a Billy “Me hago los bocatas con bizcocho” Corgan se le va la olla. Poco a poco se han ido conviertiendo en los Dream Theatre de la música indie, porque lo de grunge hace mucho, pero mucho, que lo dejaron de lado.

Por Fran Vázquez

Gojira, L'Enfant Sauvage

Gojira es de esos grupos que o te provocan una erección o te hacen vomitar. No hay medias tintas con esos franceses locos. Y la verdad, son especiales. No es el típico grupo, con las típicas melodías, los típicos mensajes y los típicos riffs, que el metal exige. Son una especie de eruditos. Y lo demuestran habiendo escogido el nombre de una película de François Truffaut para su quinto disco: L’Enfant Sauvage. Algunos pensaréis: “¡encima de franchutes, pedantes!”. Pero no llevan pedantería alguna. Es un mensaje en toda regla sobre lo que es el disco. L’Enfant Sauvage de Truffaut narra la historia de Víctor de Aveyron, un niño de 12 años que fue encontrado en un bosque cerca de Toulouse, donde se había criado salvajemente, sin ningún tipo de contacto humano y que fue objeto de experimentos e investigaciones, despojándole de la libertad y felicidad propias del ser humano en su estado natural. De esta manera, L’Enfant Sauvage de Gojira propone una reflexión sobre lo tribal y lo tecnológico, lo antiguo y lo moderno, lo verdadero y lo falso. Es un disco de contrastes, con intros suaves rotas por una voz, a veces, enfermiza. Con canciones más instrumentales mezcladas con verdaderas explosiones de griterío y fuerza. Así que, sin más dilación, analicemos esos contrastes.   

El disco empieza de forma impactante con, ya lo dice su nombre, “Explosia”. La canción parece que diga: “Estamos aquí de nuevo. ¡Ha vuelto Gojira!”. Riffs psicópatas abriéndose paso entre los ritmos rotos de la batería y la voz de desesperación de Joe Duplantier. Después de una parte final con una guitarra rollo western llega “L’Enfant Sauvage”, con una guitarra muy a lo “New Noise” de Refused y una explosión con el doble bombo que elevan la canción a la categoría de “temazo”. 

“The Axe”, corta la atmósfera que se había logrado con los dos primeros temas. Es una canción oscura, fúnebre, satánica. “Liquid Fire” prende muy rápidamente, y en cuestión de segundos te mete de lleno en el universo Gojira, donde todo puede pasar. Como, por ejemplo, escuchar frases cantadas por voces robóticas, sobre una percusión bastante tribal. Este contraste es el que da brillo a esta canción y justifica el siguiente tema, “The Wild Healer”, una pieza instrumental de corta duración, experimental, con efectos y un riff de guitarra que se repite para que te acostumbres a este interludio. 

Llegamos a la mitad del disco con “Planned Obsolence”, también con unas frases con distorsión en la voz. Como si lo recitara una máquina. Cabe destacar esa parte central de la canción, en la que el riff de guitarra y las voces distorsionadas te suspenden en el aire y la habilidad de Mario Duplantier con las baquetas te devuelve a la Tierra. El valso “Mouth Of Kala” sigue el estilo deathmetalero de Gojira a la perfección, con el doble bombo danzando con una guitarra contundente. A continuación llega la hipnotizante “The Guift Of Guilt” con una intro hermosa que es retomada al estribillo y a la parte final donde la melodía desgarrada de la voz hace que te impacte en el pecho. “Pain Is A Master” es una canción que avanza en línea recta hasta el final. No hay altibajos que te hagan perder la cabeza. Las intros suaves continúan en “Born In Winter”, la “balada” del disco, un tema que va in crescendo y acaba muriendo con la suavidad que marcaba la intro. 

“The Fall” es la encargada de cerrar el disco, creando una atmósfera industrial ruidosa, gris y estridente  con unos riffs de guitarra que suenan para ser recordados y una voz solemne que hace que la experiencia de haber escuchado este disco por primera vez sea fabulosa.

No hay muchas cosas más a comentar de este discazo. Los que ya conocían al grupo francés lo verán como otra pieza única en su discografía. Los nuevos, los que nunca antes habían escuchado Gojira, los que pensaban “¡encima de franchutes, pedantes!”, se habrán tragado sus palabras. 

Por Aniol Florensa

Touché Amoré, live at Metro Theatre

Watch Touche Amore and other great gigs on Moshcam.

Moshcam.com nos trae el directo íntegro de Touché Amoré. Vídeo en HD, sonido un poco reguleras.

Touché Amoré es, en mi humilde opinión, uno de los mejores grupos de Hard-Core Punk de la actualidad, la revista Rockzone escogió su disco Parting the Sea Between Brightness and Me como mejor disco internacional del pasado 2011 y bueno, los que lo conozcáis, ya sabeis de lo que hablo, los que no hayáis tenido el placer de oírlos, es una buena oportunidad para descubrir a esta banda.

Conciertos con cierto encanto

Seré breve. El próximo día 29 de julio, Placebo tocará en la sala Razzmatazz, en Barcelona, por el módico precio de 30 euros. Digo módico porque la última vez que vinieron a la ciudad condal, hará 2 años (si la memoria no me falla), nos clavaron casi 40 euros. No obstante, es un concierto altamente recomendable.

El otro directo que se avecina es el de Godspeed You! Black Emperor, que vienen a Apolo el próximo 31 de octubre. Para quien no los conozca, decir que es una banda referente dentro del post-rock. De visionado obligatorio para aquellos que nos gusta este estilo y total, sólo son 22 euros.

A War You Can Not Win, nuevo disco de All That Remains

A War You Can Not Win será el título del nuevo disco de All That Remains. Así lo anunciaban ayer en un comunicado vía Facebook. El disco será producido por Adam Dutkiewicz, guitarrista de Killswitch Engage, con el que ya han trabajado anteriormente. En palabras de Phil Labonte, vocalista de ATR: “Vamos a sacar un nuevo disco en otoño que se va a llamar A War You Can Not Win. Nos rompimos el culo e intentamos hacer nuevo material (como hacemos siempre) y estamos muy satisfechos de lo que hemos conseguido. Algo de esto es bastante diferente y REALMENTE os va deslumbrar. Otras cosas os sonaran justo como esperáis de ATR. ¡Estoy seguro que va a causar un ataque de histeria en Internet!”.

“A War You Can Not Win” será el séptimo álbum de estudio Razor & Tie/Prosthetic, el sello de la banda desde hace ocho años, y está previsto que salga este septiembre.

Tony Sly & Joey Cape, Acoustic Volume Two

Quien me conoce sabe que mi debilidad son los cantautores. Adoro la sencillez de un tío, una guitarra y la cantidad de sentimientos que se pueden producir con sólo eso. También me encanta el punk rock, su fuerza, su frescura y sus melodías, a veces, facilonas. Y si unimos un cantautor de punk rock con una guitarra acústica...¡ya ni te digo!

Pues parece ser que, Tony Sly, vocalista de la banda No Use For A Name y Joey Cape, líder de Lagwagon, dos de las banda más influyentes del skate punk, sabían qué es lo que me gusta. Porque en el 2009 decidieron hacer un trabajo con canciones de sus bandas, versionadas por ellos mismos, en formato acústico. El disco, titulado simplemente “Acoustic”, recogía algunas de las mejores canciones de la trayectoria de ambas bandas.

Pero ahí no termina la historia, porque el par de estrellas californianas publicaron un nuevo álbum compartido (o “Split”, como llaman los anglosajones), el pasado 19 de junio. Esta vez con algunas de las no-tan-mejores canciones de la trayectoria de la banda. Y es que, la verdad, el disco deja bastante que desear.

La escucha empieza con la parte de Joey Cape, que si bien es cierto que su voz va mejorando con el tiempo, aún esta lejos de gente como Chuck Ragan, Dave Hause y Nikola Šarčević.

"I Must Be Hateful" empieza con un arpegio de guitarra llano y suave para que la voz de Cape deje antever la melodía reconocible del tema, que no llega a cuajar del todo. Sin pena ni gloria pasamos a "Know It All", que recordaba con algo más de fuerza, pero, tal vez, me falle la memoria porque lo que encontramos aquí es una canción insulsa y sin nada en especial. Es el momento de "Confession", en la que un piano pasa a ayudar a la armonía a caminar mejor y una voz hace un coro un tanto exagerado, la verdad. Vamos avanzando por la parte de Joey hasta llegar a, para mí, las únicas que se salvan. "Alison's Disease" llega a despertar algo de tristeza en el oyente. El chelo, violín o lo que sea, acompañan de forma adecuada a la melodía solemne del tema. A continuación le llega el turno a "Resolve", tema que daba nombre al último trabajo de Lagwagon. Es corta, directa y simple. Me gusta. Para terminar y despedirnos del bueno de Joey, un tema de su propia cosecha, "Broken Record", de lejos la mejor de todas. Se nota que está compuesta para ser tocada en acústico: una guitarra, una voz y tira pa' lante.

Un ligero cambio de registro nos advierte de que nos adentramos en terreno de Tony “Acordeón” Sly (pronto sabreis por qué lo de “Acordeón”). “Black Box” es el tema escogido para abrir esta segunda parte y he de reconocer que no está del todo mal, pero la verdad, siempre he sentido debilidad por esta canción. La siguiente es “Soulmate” que pierde mucha fuerza en formato acústico. Además, ¿hace falta un piano y un acordeón para esta canción? Después de poner en duda el criterio musical de Tony prosigo con mi escucha. Es el turno de “Under The Garden” que casi logra dormirme. Y es que, un piano, un acordeón y una melodía triste es una mezcla peligrosa si estás conduciendo, no os lo recomiendo. Suerte que llegaría “Chasing Rainbows” para animar la fiesta, no sin, claro está, otro acordeón.

Con las palabras One, Two, Three y Four arranca la penúltima pieza del disco y no es otra que la reconversión soporífera de “Pre-Medicated Murder”, un tema en el que se funden, como no, el acordeón, el piano, la guitarra y la voz de Sly para crear una especie de fórmula de alquimia contra el insomnio en estos días de crisis. El disco termina, repitiendo el patrón de la primera parte, con un tema propio de Tony Sly: "Liver Let Die". Es la canción más destacable de todas. Esta vez sin acordeón ni piano, sólo unos gritos en forma de coro, que gritan: “One more song”. Creo que yo no gritaría eso, ¡que aún se iban a animar los muy “pajaros”!

En fin, un disco que pone de manifiesto la máxima universal en la música, que muchos parecen no comprender nunca, que dice “Menos es más”.

Y es que lo mejor, os lo digo yo, amigos, es: Una guitarra, una voz y ¡tira pa' lante coño!  

Por  Ian Sánchez

Joy Wants Eternity, The Fog Is Rising

Destacar en el post-rock es una tarea difícil. Por la cantidad y la calidad de las bandas, o lo haces muy bien, o lo haces muy original (y si haces ambas cosas te llamas Mogwai y te comes el mundo).

El caso es que el último trabajo de Joy Wants Eternity tira más por lo original. Si bien tienen calidad técnica de sobras, es más su frescura y belleza compositiva lo que distingue a este The Fog Is Rising del resto. Si tuviera que calificar a este CD con un adjetivo, éste sería: precioso. Como un cuadro bonito. La banda de Seattle te invita a sumergirte en su disco, a diferencia de otros grupos como Caspian o Saxon Shore que juegan más con los cambios de intensidad en sus canciones, JWE parece que se está especializando en crear atmósferas absorbentes, espacios sonoros en los que perderte.

El CD empieza de sopetón (demasiado para mi gusto), con "Our Backs Into The Wind". Un tema alegre, con una batería que tira de redobles (emulando una marcha militar) y de goliath. Nos acompaña durante estos primeros 5 minutos la guitarra ambiental que caracterizará al resto del disco y sienta las bases de por donde irán los tiros. Sigue con "The Fog Is Rising", tema que da nombre al disco, una canción que empieza dormida, para ir despertando poco a poco con unas guitarras geniales y acabar en un bello clímax.

Llegan después mis dos temas favoritos del álbum. "Dark Heart Of The King", con esos 5 primeros minutos mágicos, una amalgama de sensaciones evocadas (estos tíos veneran el Hymn To The Immortal Wind de Mono) y esos 2 minutos y medio finales donde la canción explota de manera soberbia. Sigue con "I am I: Hiding", la lenta. Aquí se ve que Salvador Huerta, Emory Liu y el resto fliparon con el Water de Thrice porque la canción parece una dilatación de un fragmento de "Night Diving", con el efecto de “bajo el agua”, el sonido de las burbujas saliendo. Vamos, imposible no sumergirse en este tema.

Mete la última marcha con "Shut Your Eyes And You'll Burst Into Flames". Tema de 9 minutos y pico con una primera parte que podría sonar a “esta ya lo habéis tocado antes” pero que acaba de manera genial, a los 5 minutos, donde el grupo pone toda la carne en el asador y a ti se te queda el culo torcido.

Y cierra de manera muy correcta "In Camera", una canción tocada únicamente con piano que genera una sensación agridulce de melancolía y alegría, como cuando te acabas de leer un libro que has disfrutado mucho.

En definitiva, The Fog Is Rising es un muy buen disco, más limpio y ordenado que su anterior y primer disco, You Who Pretend To Sleep, pero hay cosas a pulir. Joy Wants Eternity va por buen camino pero aun está lejos de sus referentes directos como podrían ser Mono, Mogwai o Explosions In The Sky. A favor tienen la técnica y la frescura que da ser una banda joven, en contra, les falta un plus de garra pero eso es cuestión de tiempo.

Por Fran Vázquez

Explosions In The Sky cancelan su gira por europa

El pasado 15 de junio, Explosions In The Sky, anunciaban que se cancelaba toda la gira Europea que tenían programada, a causa, parece ser, de la enfermedad de un familiar muy cercano de la banda.

Una verdadera pena para los amantes, de este lado del charco, del Post-hardcore, porque parece ser que no ganamos para disgustos...

Streaming - Hot Water Music

Por si no lo sabíais Hot Water Music están de gira por Europa. Evidentemente, por si teníais alguna duda, no, no vienen a España. Los que han tenido la suerte de verlos en concierto saben, de sobras, que Chuck Ragan y compañía ponen toda la carne en el asador en sus shows. Así que si eres uno de los desafortunados que aún no los ha visto, desde “Two Heebs And A Bean”, te invitamos a que disfrutes del concierto, que darán el día 23 en Dortmund, a través de un Streaming.

Si no tenéis nada mejor que hacer la noche de San Juan no os podéis perder esta gran banda. Y si tenéis algo mejor que hacer, aplazarlo, ¡que San Juan hay uno cada año!

Os dejo el link de la web con la información del Streaming y un tema de su nuevo album para que vayáis haciendo boca.

http://www.wdr.de/tv/rockpalast/extra/konzerte/2012/0623/

Thrice sí que sabe cómo gastar bromas

Técnicamente esto no es una noticia, más que nada es un video curioso que me he encontrado en el blog del batería de Thrice, Riley Breckenridge -gran batería, mejor persona-.

Pertenece al final del concierto de Animals As Leaders, de la gira Farewell donde Thrice se despide de los escenarios (esperemos que temporalmente). A lo que voy, que están ahí los Animals As Leaders dándolo todo cuando empiezan a salir los miembros de Thrice y O'Brother (el otro grupo en gira) con máscaras de animales y... bueno mirad el video.

Architects, Daybreaker

Como es habitual en Architects, la primera canción de cada uno de sus álbumes es una declaración de intenciones, un detonante de lo que será el leitmotiv del disco y, en definitiva, del momento que vive la formación de Brighton. Esto se evidenciaba en su penúltimo trabajo The Here and Now (Century Media Records, 2011), donde el primer tema “Day in Day out” era un ejemplo de la etapa de confusión que estaba viviendo la banda. Su último trabajo, Daybreaker (Century Media Records, 2012) que salió a la venda el pasado 28 de mayo, da un giro de 180º con la idea que teníamos de Architects. Marca un antes y un después en su discografía. Atrás dejan los problemas típicos de adolescentes para encararse con una realidad más cruda y, por qué no decirlo, más adulta, con temas como la religión, las nuevas tecnologías, la sociedad del siglo XXI, el trabajo, etc., como fuente de inspiración. Ese cambio de mentalidad se expresa a la perfección en el primer tema, “The Bitter End”, donde nos muestran que lo que vamos a escuchar en el disco es un “borrón y cuenta nueva”, un empezar desde zero, un reset (como señala el primer verso: When time resets, we all become zero) para renacer con mucha más fuerza, con un fuego interior salvajemente imparable (Can you feel that fire growing?). Esta es la premisa del último disco de los británicos Architects, un renacer, un reinventarse, un evolucionar. ¿Lo habrán conseguido?

Si “The Bitter End” es la carta de presentación del lavado de cara de Architects, el siguiente tema, “Alpha Omega”, es la reafirmación de que algo ha cambiado. Jugando con una atmósfera cinematográfica, riffs estridentes y el enfado habitual de Sam Carter, la letra se mueve al son del tema de la religión y cómo ésta controla a la sociedad. El epílogo llega en forma de queja, de discurso, y cierra esa pieza de protesta anticlerical de forma relajante y preciosa. “These Colours Don’t Run” es una canción que va al grano, dura, sin prisa pero sin pausa. De una forma un tanto apocalíptica, la letra nos muestra las diferencias entre los estatus de la sociedad y el papel que juega la corrupción y la mentira en nuestro mundo. Y así llegamos al corazón del disco, a “Daybreak”, una pieza de estructura simple pero que contiene una pizca de todo. Riffs virtuosos, estribillos melódicos, partes contundentes y una parte final digna de enmarcar, con una subida de intensidad brutal y una finalización que te empuja a un abismo vacío, habiéndote dejado sin respiración. Es una de esas canciones que cuando acaban sólo puedes decir: “Uf”. 

Después de la tormenta viene la calma, y esa calma se llama “Truth, Be told”, una canción no menos dura pero si más relajante, más pausada. Como un río que te lleva al mar, Architects nos transportan al mundo de las pantallas y las nuevas tecnologías. Un mar que está embobando a la sociedad, haciendo que deje de pensar y viva dormida, sin opinión, en un espacio falso e irreal. Y la calma se vuelve a romper en “Even If You Win, You’re Still A Rat”. El título de la canción lo dice todo. Es un tema duro en el que la voz de Oli Skyes, vocalista de Bring Me The Horizon, ayuda a que el impacto de la canción sea mayor. Los instrumentos acompañan a las voces, arropándolas a crear esa sensación de una masa compacta que te golpea contra el suelo hasta el último segundo del tema. En “Outsider Heart” nos encontramos con otra colaboración única y especial, la de Drew York de Stray From The Path. La canción es muy técnica, con muchas partes diferentes, y unos instrumentos estridentes y virtuosos. El éxito y el fracaso son tratados con una violencia muy meditada y muy bien trabajada. 

El siguiente tema no es una banda sonora, es “Behind The Throne”, un tema con un ambiente muy marcado, con el piano como principal protagonista y una cadencia lenta pero con un ritmo muy enigmático. Es una canción atípica en Architects, pero muy importante en este disco de cambios. La violencia y la contundencia anteriores se dejan de banda, para, de forma solemne y mística, hablar de la sombra que nos controla y como todos somos semillas esparcidas por un mundo donde uno controla la criba. “Devil’s Island” es la muestra de que Architects se han puesto el traje de indignados y anti sistema para hablar de las revueltas de Londres de una forma un tanto poética pero acompañados de una marea instrumental contundente, feroz y, en algunas partes, un tanto triste. El penúltimo tema, “Feather of Lead” retoma la crítica a la religión mostrando las contradicciones que en ella existen. Es una canción simple, un poco hardcore, que viaja como una bala veloz y precisa de principio a fin. “Unbeliever” cierra el disco dando un mensaje esperanzador después de tanta crítica y tantas hostias. La canción se mueve lentamente, sin coger velocidad en ningún momento (sólo el momento gritón del final lleva un poco de rabia). La canción tiene cuerpo de desenlace de una película, y sólo faltaría que aparecieran los títulos de crédito.

La respuesta es: sí, lo han conseguido. Puede que el disco pierda un poco de potencia después de “Even If You Win, You’re Still a Rat”, pero es indudable que han evolucionado a un siguiente nivel. Queda muy tópico decir que han madurado, pero eso es lo que parece que han hecho. En “Daybreaker”, los británicos han hecho un gran trabajo. Cada pieza es única y ofrece un mensaje concreto, con una composición heterogénea y un nivel cualitativo enorme.

Por Aniol Florensa

Adiós Nothink

Nothink lo deja. Así se ha podido leer en un comunicado publicado en el Facebook de la banda por su bajista Alex Ferrero justo un día después de que Juan Blas, cantante y guitarra, anunciara su separación del grupo.

¿Los motivos? Pues como dice Alex en su escrito "nunca me plantearía seguir adelante con Nothink sin Juan". Y es que el hecho de que se vaya Juan Blas significa que se va el fundador de la banda (junto con Alex), y en un trío, si se te va el cantante-guitarra y fundador... pues como que te planteas dejarlo ahí.

A todo esto, ¿los motivos de Juan para irse del grupo? Pues también los expone en su comunicado "cuando te cuelgas de un instrumento y no ves ilusión en las caras de tus compañeros algo que es vital falla. Podría echar la mirada a otro lado seguramente y continuar pero no sería honesto por mi parte".

En el Facebook de Nothink encontraréis los comunicados.

Lo cierto es que es un palo de cojones. Primero Alexisonfire y Thursday, luego Thrice y ahora Nothink. Yo ya no gano para disgustos. 

Por Fran Vázquez

Pennywise, All Or Nothing

Aún no puedo creer que después del palo sufrido por el abandono de Jim Lindberg, su vocalista y compositor desde hacia 15 años, Pennywise se mantenga en pie y no solo eso, si no que sean capaces de hacer un disco como este. Aunque los méritos se lo atribuyo, sin dudarlo, a su nuevo cantante Zoli Teglas, ex-vocalista de Ignite, cuyo papel me parece que deja, como diría la gran María del Monte, “a la sombra de los pinos” a su antecesor.

Empecé la escucha de “All or Nothing” con escepticismo y sin demasiadas esperanzas. De hecho, “All Or Nothing” y “Waste Another Day” me dejaron bastante indiferente y me dieron la sensación de estar “wasting my time”. Suerte que 5 minutos después llegaría “Revolution” para empezar a calentarme la sangre con su estribillo destinado a convertirse en himno, seguida de la frenética “Stand Strong” una auténtica canción punk.

Y de repente: ¡BANG! Sonó “Let Us Hear Your Voice”. Es un “tema estribillo”, en el que cada parte es épica, con coros, melodías pegadizas y mucha fuerza. En este momento ya estaba tan emocionado que estuve a punto de salir a la calle en calzoncillos gritando y cantando pero me convencí para seguir escuchando el disco.

En el ecuador del LP nos encontramos “Seeing Red” que parece bajar el volumen de nuestro reproductor, pues pasa bastante desapercibida y deja paso a “Songs Of Sorrow” otra sólida canción punk con una línea de bajo en la intro bastante interesante. Otro paréntesis de temazos con “X Generation” que nos conduce hasta la gran “We Have It All”, una oda al optimismo y al “mueve el puto culo”, donde parece ser que no escatimaron en “whoas” al componer el disco porque, creedme, ¡tiene unos cuantos!

La recta final la componen “Tomorrow”, “All along” y “United”  tal vez la parte con menos altibajos del disco. Aunque todas muy correctas, vale decir que me faltó un poco de salsa en ellas.

En definitiva “All or nothing” es un gran disco de punk que hará las delicias de los amantes del género. Está repleto de himnos que pasaran a la posteridad del grupo y que los fans pedirán a gritos en sus conciertos.

Realmente me alegro de que hayan podido hacer un trabajo tan y tan bueno después de los problemas internos que han superado. De bien seguro de que si Jason Thirsk levantara la cabeza estaría orgulloso de estos nuevos Pennywise.

Han tardado 4 largos añacos pero han vuelto. Y me atrevería a decir que para quedarse.

Por Ian Sánchez

Two Heebs And A Bean

Un guitarrista, un guionista y un dibujante…no, no es un chiste, son los tres creadores de “Two Heebs And A Bean” un blog de crítica musical hecho por unos tíos amantes de la música para los amantes de la música.

¿Qué estilos son los que nos gustan? Punk, Hardcore, Metalcore, Nu metal, Nescore, Rock y todos los “post” habidos y por haber (Post-Hardcore, Post-rock, Post-Punk). Con esta variedad de estilos en vena, sólo queremos dar nuestra opinión de lo que escuchamos, de lo que nos gusta y de los conciertos a los que vamos.

Tres personas, tres gustos, tres estilos. Cada uno de nosotros escribirá sobre sus estilos favoritos, de esta manera, el visitante podrá encontrar una gran variedad de artículos, reviews y crónicas de conciertos, de una buena cantidad de estilos diferentes.

Una vez presentado el blog y los que en él escribirán sólo nos falta deciros: Bienvenidos.